Trắc nghiệm phần đọc đề khiêu vũ [262_TEST 52_Passage 3]

Martha Graham’s territory of innumerable dances and a self-sufficient dance technique is a vast but closed territory, since to create an art out of one’s experience alone ~ ultimately ~ self-limiting act. If there had been other choreographers with Graham’s gifts and her stature, her work might have seemed a more balanced part of the story of American dance, but as she built her repertory, her own language seemed to shut out all other kinds. Even when an audience thinks it discerns traces of influence from other dance styles, the totality of Graham’s theatrical idiom, its control of costumes lights and every impulse of the dance makes the reference seem a mirage. Dance is not her main subject. It is only her servant.

Graham had achieved her autonomy by 1931. By that time, three giant figures who had invented the new twentieth-century dance were dead: Sergei Diaghilev, Anna Pavlova, and Isadora Duncan. Their era ended with them, and their dance values nearly disappeared. Their colleagues Michel Fokine and Ruth St. Denis lived on in America like whales on the beach. During the twenties, Martha Graham and her colleagues had rescued art-dance from vaudeville and movies and musical comedy and all the resonances of the idyllic mode in the United States, but in so doing they closed the channels through which different kinds of dance could speak to one another-and these’ stayed closed for half a century. Modem dance dedicated itself to deep significance. It gave up lightness it gave up a wealth of exotic color, it gave up a certain kind of theatrical wit and that age-old mobile exchange between a dancer and the dancer’s rhythmical and musical material. No material in modem dance was neutral. The core of the art became an obsession with meaning and allegory as expressed in bodies. Modern dance excluded its own theatrical traditions of casual play, gratuitous liveliness, the spontaneous pretense, and the rainbow of genres that had formed it. But all these things survived in the public domain, where they had always lived, and they have continued to surface in American dance, if only by accident.

Lãnh thổ (sân khấu) của vô số vũ điệu và kỹ thuật khiêu vũ tự túc của Martha Graham là một lãnh thổ (sân khấu) rộng lớn nhưng khép kín, vì để tạo ra nghệ thuật chỉ dựa vào kinh nghiệm của một người ~ cuối cùng ~ chính là hành động tự giới hạn bản thân. Nếu có những biên đạo múa khác với tài năng của Graham và đẳng cấp của cô ấy, thì tác phẩm của cô ấy có vẻ là một phần cân bằng hơn trong câu chuyện về khiêu vũ Mỹ, nhưng khi cô ấy xây dựng tiết mục của mình, ngôn ngữ của chính cô ấy dường như dập tắt tất cả các loại hình khác. Ngay cả khi khán giả cho rằng họ phát hiện ra động tác có ảnh hưởng từ các phong cách khiêu vũ khác, thì toàn bộ cách biểu diễn sân khấu của Graham, việc kiểm soát ánh sáng trang phục và mọi xung động của điệu nhảy khiến những điểm căn cứ đó có vẻ là một ảo ảnh. Khiêu vũ không phải là môn học chính của cô. Nó chỉ là làm nền cho cô ấy.

Graham đã đạt được quyền tự chủ của mình (ghi dấu được tên tuổi) vào năm 1931. Vào thời điểm đó, ba nhân vật tầm cỡ đã phát minh ra điệu nhảy mới của thế kỷ XX đã chết: Sergei Diaghilev, Anna Pavlova và Isadora Duncan. Kỷ nguyên của họ đã kết thúc với họ, và các giá trị khiêu vũ của họ gần như biến mất. Các đồng nghiệp của họ là Michel Fokine và Ruth St. Denis đã sống ở Mỹ như những con cá voi trên bãi biển. Trong những năm hai mươi, Martha Graham và các đồng nghiệp của cô đã giải cứu nghệ thuật khiêu vũ khỏi tạp kỹ và phim ảnh và hài kịch ca nhạc và tất cả những tiếng vang của chế độ bình dị ở Hoa Kỳ, nhưng khi làm vậy, họ đã đóng các kênh mà qua đó các loại hình khiêu vũ khác nhau có thể giao thoa với nhau-và những thứ này ‘đã kết thúc trong nửa thế kỷ. Nhảy đương đại dành riêng cho chính nó để thể hiện ý nghĩa sâu sắc. Nó từ bỏ sự nhẹ nhàng, nó từ bỏ vô số màu sắc kỳ lạ, nó từ bỏ một loại trí tuệ sân khấu nhất định và sự liên kết lâu đời giữa một vũ công, chất liệu âm nhạc và sự nhịp nhàng của vũ công. Không có tài liệu nào trong vũ điệu đương đại là trung tính. Cốt lõi của nghệ thuật trở thành một nỗi ám ảnh với ý nghĩa và ngụ ngôn được thể hiện trong các động tác. Múa đương đại đã loại trừ truyền thống sân khấu của riêng nó là điệu nhảy bình thường, sống động mà không có ý nghĩa, hời hợt tự phát và màu sắc riêng của các thể loại đã hình thành nên nó. Nhưng tất cả những điều này vẫn tồn tại trong cộng đồng, nơi chúng luôn tồn tại, và những điệu nhảy tiếp tục xuất hiện trong vũ điệu Mỹ, kể cả chỉ là tình cờ.